22 de Nuestras Películas Favoritas de la Década (2010’s)

Con el comienzo de una nueva década, es buen momento para recordar aquellas películas que marcaron nuestras vidas en los últimos diez años… películas que ejemplificaron el significado de ‘séptimo arte’ y nos hicieron vivir experiencias únicas. Ha sido tarea complicada debido a la gran cantidad de joyas cinematográficos que tuvimos, pero el staff de Pólvora ha seleccionado sus películas favoritas de la década, aquellas que se quedaron en nuestra memoria y que destacamos a continuación.

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Bellas de Noche 

Dir. María José Cuevas (México, 2016)

Por Mario Valencia

No hubo cinta mexicana con más alma que este documental acerca de las otroras reinas de la vida nocturna durante los 60s y 70s. La historia de las vedettes más emblemáticas que entre el brillo y las efímeras fantasías sexuales, vieron pasar sus mejores años para convertirse en mujeres distintas pero aún llenas de singular simpatía. Hay algo más allá de la piel y este es el mejor retrato para demostrarlo. Lo más conmovedor: ver como a pesar de no vivir en abundancia, Wanda Seux da asilo a decenas de perritos.

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Blade Runner 2049

Dir. Denis Villeneuve (EUA, 2017)

Por Ricardo Gallegos

Denis Villeneuve es un genio y lo probó de nuevo con una secuela que superó a un clásico de culto y expandió sus horizontes para crear una obra maestra de ciencia ficción. Cada cuadro, cada toma, cada línea tiene su razón de ser en “Blade Runner 2049”, una cinta que más allá de deslumbrarte con fotografía y efectos visuales, te hace reflexionar sobre el significado de ser humano. Villeneuve no intenta dejar lugar para más secuelas ni vender franquicias: aquí te cuenta una profunda y filosófica historia haciendo utilización de toda herramienta a su disposición para crear la definición de ‘experiencia cinematográfica’.

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Deadpool

Dir. Tim Miller (EUA, 2016)

Por André Dulche

Una cinta de superhéroes distinta, irreverente, con humor negro no apto para niños y que nos dejó muy satisfechos a los fans del cómic. Ryan Reynolds le dio vida sin restricciones a este gran personaje  (incluso viviendo su esencia fuera del cine) y permitió llevar a la pantalla grande a este antihéroe en toda su gloria, sin tapujos o censura.

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Guardians of the Galaxy

Dir. James Gunn (EUA, 2014)

Por Ricardo Gallegos

Cuando Marvel anunció una película protagonizada por un árbol y un mapache parlanchín, parecía una locura. Afortunadamente para el MCU, James Gunn llevó a la vida con total éxito a este colorido equipo de forajidos espaciales y la arriesgada apuesta de Kevin Fiege rindió frutos. Con un soundtrack perfecto, desbordante carisma y mucha creatividad, “Guardians of the Galaxy” se terminó convirtiendo en uno de los filmes más taquilleros de Marvel y fue pieza clave para expandir los horizontes de la franquicia.

Vi “Guardians of the Galaxy” una y otra vez en el cine. Quedé fascinado ante la perfecta mezcla de sus elementos y la química que compartían sus personajes centrales. Fue una gigantesca ópera espacial con toneladas de diversión que cautivó audiencias de todo el mundo. Y lo más importante: le dio una muy necesaria bocanada de aire fresco al género de superhéroes, empujando a Marvel a intentar cosas más arriesgadas. Tal vez suene exagerado, pero creo que las generaciones más jóvenes verán en “Guardians of the Galaxy” su Star Wars propio: un enorme universo con personajes únicos y sorpresas en cada esquina.

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Hereditary

Dir. Ari Aster. (EUA, 2018)

Por Mario Valencia

El debut como director de Ari Aster es la opus magna del horror de toda la década. Tras la inesperada y brutal muerte de su hija, madre e hijo (quien carga con la culpa del fallecimiento), caen presa de la locura cuando ella asegura que puede comunicarse con las muertas a través de distintas señales. Esto llevará a la familia Graham a buscar apoyo.

Aunque todos aclaman a Toni Colette como la desesperada madre, es Alex Wolff, el integrante de esa jodida tomada de pelo llamada The Naked Brothers Band, quien se lleva la película al descender gradualmente a las enfermizas raíces de su familia que están inmersas en un siniestro culto al demonio Paimon, terminando con uno de los cierres más shockeantes que pueda haber. ¡Diablos, hasta el marketing fue brillante al anunciar a una falsa protagonista!

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Holy Motors

Dir. Leos Carax. (Francia, 2012)

Por Mario Valencia

La carta de amor que los actores necesitaban. Un viaje poco convencional guiado por el excelente Denis Lavant en una de las mejores actuaciones en lo que lleva el siglo XXI. Mr. Oscar recorre las calles parisinas en una elegante limosina encarnando distintos personajes, que van desde un perverso secuestrador, un padre preocupado por la vida social de su hija, hasta un hombre cuya familia… son monos. Estas historias solo se entrelazan por la misma noche y la innegable necesidad de saciar un drama en la vida de sus protagonistas. El impredecible recorrido termina en un diálogo entre las limusinas estacionadas cuestionando sus rutinas. Es un deleite, una fantasía y un tributo a los géneros del cine, tan bien construido que es imposible negarse a su errante relato.

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I, Tonya

Dir. Craig Gillespie (EUA, 2017)

Por Mario Valencia

La obsesión estadounidense por ver caer a una amada celebridad, encarnado por la maltrecha figura de Tonya Harding, famosa patinadora de los 90s. A manera de falso documental con una buena dosis de humor negro, la película se inspira únicamente en momentos clave de la carrera y posterior escándalo donde Harding es acusada de atentar contra una colega. Este horrendo deseo de fama a cualquier costo desde la infancia, lleva a una serie de encuentros y relaciones enfermizas por el nulo crecimiento emocional de la pobre mujer, en especial con una madre tan manipuladora como la suya (llevada con excelente gracia por la genial Allison Janey). Soberbias actuaciones, simpáticas rupturas de la cuarta pared, momentos devastadores y lo mejor de todo: un excelente soundtrack, muestran que las biopics pueden ser divertidas cuando se toman las libertades necesarias.

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John Wick

Dir. Chad Stahelski (EUA, 2014)

Por André Dulche

El génesis de una grandiosa trilogía que revitalizó a Keanu Reeves y lo volvió sinónimo con el género, por lo menos esta década. Un personaje cool que podía matar a gente hasta con un lápiz, amante de los perros y con gran sed de venganza, siendo complementado por el concepto del ‘sindicato de asesinos’, el hotel como zona neutra, el humor negro y las majestuosas coreografías. Todo esto convirtió a “John Wick” en un parteaguas de cómo hacer una buena película de acción.

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La Caza

Dir. Thomas Vinterberg (Dinamarca, 2012)

Por Mario Valencia

Un trágico cuento sobre un amable profesor de kinder que es acusado por una de sus alumnas de abusar de ella. Por supuesto, todos en el pueblo se enteran del rumor y comienza una cacería contra el hombre, sin realmente tener pruebas. Mads Mikkelsen ha sido una figura del cine danés desde la década pasada y aunque Hollywood ya lo tenía en la mira como su perfecto villano (extranjero y exótico), “La Caza” demuestra su lado sensible, acorralado ante las punzantes acusaciones en su contra.

Vinterberg, quien venía de dirigir la violenta Submarino a estilo y semejanza de sus primeros trabajos adoctrinados por el Dogma 95, retoma una estética formal y un ávido suspenso. Lo más revitalizante en este tipo de filmes son esos guiños de posibilidad abierta donde la moral hasta entonces comprobada del protagonista, es puesta a juicio.

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La Grande Bellezza

Dir. Paolo Sorrentino (Italia, 2013)

Por Mario Valencia

Sorrentino es uno de los grandes poetas contemporáneos. “La Grande Bellezza” es una oda a la nostalgia de su protagonista, Jep Gambardella, escritor que de muy joven tuvo gran éxito con una novela y años después, yace estancado como periodista en medio de una vida de trivialidades en la alta burguesía italiana. Al fin despierto, se propone buscar la paz, la belleza y la perfección del mundo… Aunque no es nada fácil considerando su banal círculo.

Una obra propositiva y filosófica, con secuencias que van de lo kitsch a lo onírico. Aquella imagen del agua saliendo del techo de Gambardella es una de las postales más bellas que nos ha dejado el cine. Busca plantear al espectador el salir más allá del confort y el placer para llevar una vida sensata sin distracción en lo superficial. Es magia pura.

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Lady Bird

Dir. Greta Gerwig (EUA, 2017)

Por Ricardo Gallegos

Sin “Lady Bird”, es probable que no estaría escribiendo sobre cine, o tal vez ya ni siquiera seguiría escribiendo. Este coming-of-age me habló de una manera muy profunda y me ayudó a encontrarme. 

“Lady Bird” es más que un filme sobre búsqueda de identidad. Es el retrato de adolescencia más auténtico y profundo que he visto, que utiliza atrevida comedia y entrañables personajes para dibujarte una sonrisa de oreja a oreja. Fue aquí en donde Greta Gerwig hizo su debut como directora, inmediatamente estableciéndose como la nueva potencia femenil que la industria del cine necesitaba; y es que el control que Gerwig tuvo sobre guión, cámara y elenco fue absolutamente asombroso, derivando en una obra maestra que obtuvo 5 nominaciones al Oscar, así como numerosos reconocimientos por todo el mundo.

Podría hacer un argumento de que Saoirse Ronan fue la mejor y más consistente actriz de la década y “Lady Bird” es definitivamente la mejor muestra de ello. Es a través del espíritu de Ronan que la película encuentra su alma para generar más de una escena inolvidable. Emprender este viaje con la protagonista es una experiencia maravillosa que te regresa a los años más preciados de tu adolescencia para volver a descubrir quién eres y cómo puedes mejorar.

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Mad Max: Fury Road 

Dir. George Miller (Australia/EUA, 2015)

Por Mario Valencia

El cine es el arte de la imagen en movimiento y al menos en esta década, no hubo mayor espectáculo cinematográfico que la cuarta entrega de la setenterísima saga. A sus 70 años, Miller toma un relato sencillo de violenta distopía y lo transforma en acciones excitantes que no necesitan mayor explicación ni diálogo alguno para desarrollar su excelsa narrativa. Encima, se dieron el lujo de usar en mayor parte efectos especiales prácticos para crear sus mejores secuencias. Si tan solo los demás blockbusters aprendieran de esta maestría…

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Paddington 2

Dir. Paul King (Reino Unido/Francia, 2017)

Por Ricardo Gallegos

Este maravilloso filme de Paul King sobre un oso parlanchín y un libro pop-up robado es un recordatorio de la bondad que existe en todos y cada uno de nosotros. Es una inclusiva, conmovedora y divertida historia que utiliza su desbordante energía para nutrirnos con enseñanzas sobre amor, igualdad y gentileza. La comedia es para chicos y grandes, el mundo es absorbente, no hay escena desperdiciada y hasta el gran Hugh Grant – como el villlanazo joya de la historia – ha declarado que es la mejor película en la que ha trabajado. 

Parece que “Paddington 2” es una película solo para niños, pero su corazón es tan grande que la humanidad entera podría tomar notas de ella para mejorar en toda área: estoy convencido de que si todas las personas vieran “Paddington 2”, el mundo no sería un lugar tan triste y desalmado, sino una tierra con abundante esperanza, buenos modales y mermelada en cada esquina.

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Parasite

Dir. Bong Joon-ho (Corea del Sur, 2019)

Por Mario Valencia

Sigo sin lograr asimilar el nivel de perfección de este filme. Una comedia negra con un alma trágica sobre una familia de estafadores pero de buen espíritu y aspiracionales hasta el último instante. Una viñeta cruda de los tiempos modernos obsesionados por siempre anhelar más, la era de las máscaras en redes sociales pero en especial, del amor familiar. 

“Parasite” es una obra que trasciende gracias su dinámico montaje, una demostración de cómo el arte no debe estar peleado con el entretenimiento ni mucho menos con el ritmo y esa estética perezosa que tanto abundó a inicios de la década. Toda la variedad de posibilidades mostradas y giros a lo largo de la cinta, terminan de cerrar una obra digna de esa Palma de Oro.

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Portrait of a Lady on Fire

Dir. Céline Sciamma (Francia, 2019)

Por Ricardo Gallegos

Poesía pura y la historia de amor más poderosa que haya visto en pantalla grande. Céline Sciamma explora un romance de manera auténtica y progresiva, creando un filme hermoso en todo sentido de la palabra utilizando actuaciones del más alto nivel y una fotografía de élite para lograrlo. Su desgarrador final representa una tormenta de emociones y es un recordatorio del poder que tiene el amor para desafiar al tiempo. 

Aunque sutil, su discurso es un espejo de la sociedad: la historia de “Portrait of a Lady on Fire” se lleva a cabo en el Siglo XVIII, pero sus temas de resistencia, libertad, feminidad y sexismo son relevantes hasta el día de hoy; dejando de lado mis sentimientos de profundo afecto hacia el filme, creo con todo mi corazón que éste es uno de los trabajos cinematográficos más relevantes de toda la década por todo lo que representa, no solo como logro artístico, sino como experiencia social.

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Psiconautas, los niños olvidados

Dir. Alberto Vázquez & Pedro Rivero (España, 2016)

Por Mario Valencia

Animación ibérica sobre dos amigos, Birdboy y Dinki, quienes perdieron a sus padres tras una terrible catástrofe que ha transformado su isla en un lugar inhabitable. Aunque inseparables, Birdboy no soportó más la carga y terminó aislándose en el bosque. Por su parte, Dinki se lanza a la aventura para buscar un mejor lugar. Ambos deben reunirse si quieren salir con vida en esta historia tan desoladora y triste como llena de un fuerte espíritu combativo contra el destino. Mientras los adultos se resignan a su inevitable muerte, son los niños quienes aún anhelan y mantienen viva la esperanza. Este sobrecogedor mensaje se encuentra entre los macabros parajes que recorren en busca de libertad.

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Sing Street

Dir. John Carney (Irlanda/EUA/Reino Unido, 2016)

Por Ricardo Gallegos

Un joven irlandés llega a una nueva escuela, se enamora de una chica y para entrar a su corazón decide comenzar una banda. Una historia sencilla para un entrañable musical coming-of-age que trata temas sobre identidad, bullying, hermandad, rechazo y amor, siempre utilizando el poder de la música como fuente de energía para unir todas las piezas. Canciones como ‘The Riddle of the Model’ y ‘Drive It Like You Stole It’ siguen (y seguirán) formando parte de mi playlist infalible para sonreír y es que la magia de “Sing Street” radica en cómo sus melodías son más que piezas para avanzar la trama: son himnos que alimentan el alma y te impulsan a cumplir tus sueños.

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Spider-Man: Into the Spider-Verse

Dir. Bob Persichetti, Rodney Rothman & Peter Ramsey (EUA, 2018)

Por Mario Valencia

Momento frito del top. Cuando estudiaba la carrera, nos enseñaron acerca de una corriente que buscó plasmarse en la cinematografía pero sin resultados en concreto: el futurismo italiano. En ella, se habla acerca de una sobre exageración de la realidad, las proporciones, una distorsión del tiempo y una rítmica a través de las figuras. Todo eso está concentrado en este filme y fue un enorme viaje verlo en pantalla grande. “Into the Spider-Verse” es uno de los mejores ejercicios animados de la historia, con decenas de estilos por doquier, un diseño sonoro excelso que adquiere un gran protagonismo y una divertida historia que finalmente, varia un poco la ya cansada fórmula del super héroe.

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Spotlight

Dir. Tom McCarthy (EUA, 2015)

Por Ricardo Gallegos

La ganadora a Mejor Película en los Premios Oscar 2016 nos mostró la historia real de un grupo de periodistas de Boston que en 2002 investigó y reportó una serie de casos de abuso sexual perpetrados por sacerdotes de la Iglesia Católica. “Spotlight” es una carta de amor al periodismo que utilizó un excepcional guión y un mejor elenco para convertir a la investigación en su personaje central, creando 129 magistrales minutos de absorbente, impactante y relevante narrativa. 

Este filme me inspiró como pocos lo han hecho: su mensaje de nunca dejar la ética de lado y siempre trabajar duro para marcar la diferencia fue un importante refuerzo en mi vida; es algo que nunca he dejado de predicar y me ha permitido crecer como escritor. Y es que tras una década que vio al periodismo ser tan golpeado a causa de innumerables factores políticos y sociales, “Spotlight” sigue siendo un recordatorio de que los reporteros pueden ser héroes y que la profesión puede hacer la diferencia para bien en un mundo moralmente deteriorado.

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The Hunger Games (2012)

Dir. Gary Ross

Por Ricardo Gallegos

El blockbuster que consolidó a Jennifer Lawrence como una de las grandes estrellas de la industria fue más que un rip-off de Battle Royale: “The Hunger Games” fue un drama sobre clases sociales y rebelión en donde el director Gary Ross hizo un tremendo trabajo de adaptar el libro de Suzanne Collins, presentando con lujo de detalle al mundo de Panem y llevando a la vida a una de las mujeres más fuertes y complejas que Hollywood encumbró esta década: Katniss Everdeen.

Con gran score, diseño de producción, un fiel guión y dedicadas actuaciones, “The Hunger Games” probó ser una mezcla ganadora de drama social con acción que rápidamente encontró su lugar en el mercado, utilizando a una excelente figura femenina como ancla para sentar las bases de una de las franquicias más exitosas de la década.

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The Killing of a Sacred Deer

Dir. Yorgos Lanthimos (Reino Unido, 2017)

Por Ricardo Gallegos

Una surreal y sublime explosión cerebral con una dirección, que en mi opinión, es perfecta por parte del gran Yorgos Lanthimos. En “The Killing of a Sacred Deer” encontramos un atrevido filme que se balance en la delgada línea del horror psicológico y el absurdo para provocarte incertidumbre, escalofríos y risa gracias a un fascinante guión que no deja de sorprenderte. La actuación de Barry Keoghan es una de mis favoritas de la década: el irlandés te pone los pelos de punta con sus extravagantes diálogos y expresiones faciales que complementan la total locura de una película que solo podría describir como un episodio de La Dimensión Desconocida, escrito por Franz Kafta y con los productores de Black Mirror a cargo. Una película totalmente distinta, con propia voz y un guión de élite.

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Whiplash

Dir. Damien Chazelle (EUA, 2014)

Por Ricardo Gallegos

Un joven baterista de jazz quiere ser el mejor y para eso tiene que estudiar bajo la tutela de un neurótico y abusivo instructor. Ganadora de tres premios Oscar, incluido Mejor Actor de Reparto para un increíble J.K. Simmons, “Whiplash” catapultó la carrera del director Damien Chazelle como una fuerza dentro de la industria. Estamos ante una película tensa entre alumno y maestro que nos muestra hambre, sacrificio y obsesión desde un original punto de vista. Es adrenalina musical encumbrada a través de dos brillantes actuaciones, el feroz ritmo de la edición de Tom Cross y un clímax te quita el aliento.