DeerMx: ciencia ficción, crítica social y metal industrial de exportación

A veces resulta difícil es ser reconocido en tu tierra, más si tu banda no hace el género musical de moda, así resulta más sencillo emigrar y hacer tu trabajo en otros lados, ese es el caso de DeerMx.

Este dùo nos recuerda un poco lo que ocurre con Hocico, ambos hacen metal industrial (uno más agresivo y otro con inclinación al trip hop) pero ambos son conocidos fuera, uno en Alemania y caso de DeerMx en Asia, específicamente hong Kong, donde han hecho base y desde allá lanzar su nueva música, “Animals”, “אIV (Out Of The Mountain Of Despair)” y “The Farthest I Can Get” entre todo lo reciente.

DeerMx se conforma por Adriana Falcón en la guitarra, voz y es quien escirbe las letras y la acompaña Miguel Bastida en bajo, guitarra y sintetizadores. Dos personas bastante preparadas que no caen en lo básico para complacer y que tienen algo que decir, teniendo crítica en sus letras además de buen ritmo. En su haber, han estado en festivales desconocidos por el público común en México pero que en Asia son importantes como Clockenflap y Sònar HK (Hong Kong), Zandari Festa (Corea del Sur), V-Rox (Rusia), Wake Up Festival (Taiwan), Soundrenaline (Indonesia) y Sorte Firkant (Dinamarca).

DEERMX: VIVIENDO EN EL SUEÑO UNDERGROUND

Asì que con esto de referencia y antes de que salga su nuevo disco completo platicamos un poco con ellos sobre este mundo de ciencia ficciòn y distopìas musicales:

¿Qué tan difícil es que sean aceptados en un país como Hong Kong y su escena musical?

Es difícil puesto que algunas zonas de Asia tienen poco desarrollada la escena de música alternativa, y Hong Kong es una de ellas. Parte de ello es por sus características sociales, culturales y demográficas. Es difícil ser aceptado en esa pequeñísima escena underground dominada por chinos, los músicos de minorías extranjeras tienen muy pocas oportunidades de integrarse, sin embargo, hemos logrado a pesar de ello, ser parte del cartel de los dos festivales más importantes en Hong Kong, Clockenflap y Sònar Hong Kong.

Ahora, ¿abrirse paso en México, es más difícil de lo que pensaban? Sobre todo, porque el industrial sigue siendo underground

Después de lo que hemos vivido en Asia, creo que México a pesar de todo, nos parece bastante receptivo. Siempre hemos sabido que nuestra música no tiene características que encajen con el standard mass-media, pero tampoco estamos componiendo para competir con esos idols. Creo que hemos aprendido que en el mundo hay siempre gente en busca de cosas que no te da lo pop. Estamos orgullosos de que artistas como Hocico o Laibach hagan música por el amor a ello, que vivan de ello y que además funcionen como pilares de una escena undergound sólida para todos los que no consumimos lo que nos ofrece la Recording Academy o Billboard.

Estando allá, ¿cambia mucho la percepción de ver las cosas a Latinoamérica? O son similares en varios aspectos. ¿Qué temas les importan más allá a ustedes a lo que pudiera ser México?

Obviamente es duro ser expatriado, te hace ser aún más crítico de tu país de residencia y de tu país de origen, de todo lo bueno y malo que tienen. Aprendes a valorar lo que tienes, lo que añoras, lo que no puedes tener y lo que repudias. Creemos que el arte en general vive un estancamiento a nivel epistemológico y estético, se ha vuelto todo tan relativista que actualmente todos y nadie podemos hacer arte.

La música es el arte más golpeado, puesto a que al ser intangible su análisis supone conocimiento que la gran mayoría desconoce. Generalmente podemos intuir que es ridículo pegar una fruta a la pared y venderla en millones de dólares puesto que es algo que podemos ver, sin embargo, ¿Cómo podemos detectar las estafas musicales disfrazadas de arte? Para ello se requiere conocimiento de análisis musical, el cual desgraciadamente no es enseñado fuera de las escuelas de música.

Así pues, siempre nos interesamos por temas que tienden a ser más universalistas (en el sentido humanista), no es que no nos interese hablar del amor, el sexo o el desamor, pero creemos que, independientemente de la cultura, hay mucho más que decir.

NUEVA MÚSICA Y EL FACTOR PETER GABRIEL

En esta escena los remixes cobran mucha importancia, para ustedes cuál es esta importancia sobre su música (tema original) que incluso el álbum Portraits tiene esta otra faceta.

Los remixes son donde nos permitimos dar paso a otros músicos a reinterpretar lo que nosotros creamos. Generalmente somos bastante solitarios cuando trabajamos, pero es a través de los remixes que podemos compartir el trabajo con otros músicos, y eso creo que siempre nutre.

Su música es bastante oscura, no es feliz, pero tampoco es depresiva. Ustedes que sentimientos les provoca escuchar sus canciones y si han tenido oportunidad de que personas allegadas (amigos o familiares) les comenten su sentir.

Creo que existe una experiencia de catarsis al crear y componer. He visto el rostro de Miguel cuando un acorde, un ritmo, o algo encaja; casi siempre es una sonrisa y sus ojos brillan mucho. Él es muy analítico, pero pocas veces verbaliza lo que siente. En mi caso me sucede cuando escucho e improviso con mi voz.

No es que intencionalmente queramos llevar a la gente a un estado sombrío, es que quizá es parte de nuestra naturaleza que se asoma en la música.

En su disco anterior tienen la canción “Peter Gabriel”, ¿qué relevancia cobra este personaje en sus vidas para llamarla así? Además de que va por un sonido más progresivo.

Esa canción es muy especial, la nombré Peter Gabriel porque cuando estaba improvisando comencé a cantar en una escala similar a la usada en la canción “Dancing With The Moonlit Knight” de Genesis. Además, Peter Gabriel siempre me ha parecido un hombre que ha hecho de su música un concepto visual, lo cual admiro demasiado.

Miguel hizo un arreglo orquestal ambicioso, y la voz era la de un personaje extraterrestre que está aterrado de haber caído en un lugar que desconoce. Al final este personaje lanza una señal de auxilio, esa melodía está inspirada de un motivo musical del segundo movimiento [Silentium] de la obra del compositor estonio Arvo Part, Tabula Rasa.

Sobre “Animals”, se inspiraron en un anime, pero en sus mentes ¿cómo visualizaban estas escenas para plasmarlas en música? ¿Hay momentos específicos que relacionen?

En realidad, Animals está inspirada de la película Pom poko (1994), pero la canción quiso hacer más un retrato de la psique de los mapaches, de su sentir de hermandad, impotencia, dolor y resignación. En la película los sentimientos aparecen esparcidos en varios personajes, puesto que cada uno representa una postura distinta ante la crisis que están teniendo.

Una cosa que aparece en la canción es esa característica que tienen los mapaches de transformarse en humanos para mimetizarse y comprendernos. Este tipo de atribuciones a ciertos animales como mapaches y zorros proviene de los cuentos folklóricos chinos que a su vez influyeron en la literatura y arte japoneses. Siempre me pareció fascinante que los humanos observaran que la asombrosa inteligencia y adaptación de esos animales se debiera a sus capacidades de mimetizarse mágicamente con nosotros y entendernos desde dentro.

Tomando en cuenta los dos anteriores y “Animals”, ¿cómo sienten va este nuevo disco? Un poco más agresivo a mi parecer…

Quizá lo es, tal vez menos electrónico, pues esta vez tuvimos músicos haciendo la sección de la batería, no fuero cajas de ritmos, sin embargo, transitamos con naturalidad con esa dualidad, y eso realmente nos hace felices. No estamos limitados a un género o sonido, sino exploramos caminos nuevos cada que hay oportunidad.

“Out Of The Mountains Of Despair” es muy político en su video, pero “The Farthest I Can Get” va más como una crítica tecnológica. ¿Creen que a las bandas les hace falta seguir alzando la voz en estos temas? Ser más fieles a su sentir que a seguir una moda.

Totalmente, la gente debe tener menos miedo a expresarse tal y cual son. Me salta mucho por ejemplo que actualmente muchas personas a la hora de componer y pronunciar el español por ejemplo, lo hagan con el acento caribeño y modismos de dicha región cuando provienen de España o México. Muchos cantantes emergentes cantando en trecillos como lo hacen las estrellas populares actualmente.

Honestamente a varios de ellos los escucho incómodos, incluso a cantantes consagrados que se suben a la ola, los encuentro forzados. Pero ante eso siempre la pregunta honesta es ¿Te interesa la fama y la fortuna o te interesa trascender? No hay correcto o incorrecto en la respuesta, pero ello determina el camino de crecimiento de cada creador.

Yo creo que la inquietud de cualquier artista debe ser la trascendencia, y me parece risible que pensemos en el siglo veintiuno que veinte años pueden servirnos para consagrarnos como músicos. Pues, para muestra ahí está la historia de la humanidad contradiciendo dicha premisa. Bach fue una persona impopular y modesta, un maestro de capilla, esposo y maestro. Doscientos setenta y dos años después ese hombre anónimo y comprometido con el arte es considerado El padre de la música. Así que, no hay caminos buenos o malos, simplemente es hacer lo que hacemos con honestidad y profesionalismo, lo demás la historia lo dirá.